mwy
mwy
管理员
管理员
  • UID2
  • 粉丝10
  • 关注9
  • 发帖数3690
  • 铜币8345枚
  • 威望12677点
  • 银元1235个
  • 社区居民
  • 最爱沙发
  • 忠实会员
  • 原创写手
阅读:1973回复:6

刘继卣:连环画创作经验

楼主#
更多 发布于:2014-10-20 23:56
——收录于1956年大众出版社北京群艺馆编《和美术爱好者谈美术》。
 
      连环画是大家都比较熟悉的一种艺术形式,究竟从何时开始,我很难作系统的说明。清朝吴友如的板画和“十竹斋板画”就是连环画的一种。

      今天我所谈的主要是自己的创作经验。我是从一九五零年才开始创作连环画的,过去很长一个时期我都是在画国画,这对画连环画有了很大帮助。我在初中毕业以后,便进了天津的美术馆。全馆共分两系:一为国画系,一为西画系。平时我在西画系作研究工作,星期天我就画中国画。最初,我在创作当中对画动物画感动没办法,所以才花了很长的一个时期学习画动物。我在班上学会了如何画素描、速写和写生的方法,这对于画动物很有帮助。因为动物画得较多,人物就画得很少,直到一九五零年才又画起人物来。

      在这里我准备先谈谈连环画的形式。连环画的主要特点就是它的连续性。一般的美术作品都只有一幅画面、一个环境,所有的人物、动物以及其他一切必须布置在一个画面里,用一幅画来说明故事。至于连环画却是用几幅、几十幅甚至更多的画面来说明一个故事。单幅画只画整个故事的一个场面,画面的人物也只有一种动作;可是连环画却需要用很多画面来表达故事中人物的生活、历史;他的社会关系;他所使用的道具以及他的一切活动情形。这就接触到很多场面,如各方面人物的各个动作、各个场合;有的是在郊外,有的是在室内。连环画既然是用很多画面来说明一个故事,经过的时间往往就比较长,从人物开始出现到故事结尾,是有条有理的系统发展的过程。它比单幅画说明得比较详细。因为单幅画往往是从一个故事中提炼出来的高潮,所表现的是代表性最强的东西。这就是连环画这个艺术形式的特点。

其次,我还要谈谈连环画中人物形象是如何统一的。有的同志问:连环画中人物的动作是多方面的,环境也各有不同,怎样使人物形象不管从后看或向前看都能统一起来,像是同一个人呢?对于这个问题,我且以“鸡毛信”为例来说明一下。

“鸡毛信”是我的第二部创作。脚本是文化部艺术局大众图画出版社给的,故事非常好。海娃这个人物的生活环境我虽然没有体验过,可是日本鬼子在华北侵占了八年,我的生活大部分都是在沦陷区过的,对于日本人的印象却很深刻。因为我不熟悉海娃的生活环境,就只好从牧羊的孩子中去挑一个模特儿,还得研究研究海娃到底是怎样的一个人物。在脚本里,海娃是儿童团团长,十四岁,放羊出身,参加过敌后斗争,经过了长期的革命锻炼,相当机智、聪明和忠厚。当时,我住在天津市郊区,附近羊群很多,有二三十只一群的,也有四五十只一群的,我所找到的便是二十几只一群的。这个放羊的孩子和羊群很有感情,他叫哪一只羊过来,哪一只羊就过来舔他。自然我所找到的这位模特儿并不是十全十美的,因为他只是忠厚、老实,却不够灵活、机智。因此,给我的作品也带来了一些缺点:画面上的海娃,灵活、机智都表现得不够。然而,有了一个模特儿那就比闭门造车或抄袭画报、抄袭照片要强得多,多多少少会给你一些启发。在这里,我们还得注意:挑选的模特儿一定要合乎画面的需要,才能使人物形象尽量突出,具有典型性。

找到了这位小孩,我就叫他经常到我家去,画了很多素描,着重于面部表情和轮廓。由于有了这末一个活的人,前后形象统一的问题就解决了。有了一个模特儿,要画各种动作和表情就有了根据。但画完素描之后还得加工,因为这个人物的形象不一定就完全适合于这些画面。表情是很难画的,如果这个问题解决了,主要部分就肯定了,更不至于流于概念化了。

当然,这里还有创作的锻炼过程,这也是必不可少的过程。画完了海娃的形象,我又画了一些速写,从各个角度去观察他广泛,各方面的动作,作为将来构图之用,因为在连环画的画面里就包含主要人物各式各样的动作和表情。关于表情问题,单靠模特儿往往是不能解决的。他只能解决形象问题,而不能解决一切问题。谈到表情,就需要你自己根据人物的具体环境和他的出身等去加工。因为模特儿到底不是真的海娃,他有他自己的出身和环境。如果你按照他的生活来拍照,自然是不行的。他只能助你一臂之力,只能给你一定的启发,推动你向前走,但主要还是靠你自己根据那些素描、速写的素材去加工。

主要人物的模特儿找到了,其余的如日本人、黑狗之类,不能全部找到模特儿,就只好借助于自己过去的记忆和印象了。此外,我还参考了一些日本人的军装、制服、杂志和照片。至于羊群,因为我曾经画过这样的速写,仔细地观察过它们的动作、性情和特征,研究过它们怎样跑,彼此怎样接触,这些东西在构图时正好用上。
mwy
mwy
管理员
管理员
  • UID2
  • 粉丝10
  • 关注9
  • 发帖数3690
  • 铜币8345枚
  • 威望12677点
  • 银元1235个
  • 社区居民
  • 最爱沙发
  • 忠实会员
  • 原创写手
沙发#
发布于:2014-10-20 23:57
下面我再谈谈创作“武松打虎“的过程。这部作品要画三四十幅还是可以的,可是我想还是不如精炼一些的好。于是我选择了一些比较突出的场面。打虎是场面一共只有七幅,其余则是英雄人物成长的过程,需要我们按照水浒传作者原来的意图去加工。关于武松这个人物,同志们都看过水浒传,用不着我多介绍。在我的印象中他是一个大个子,长得挺高,勇武有力,相貌英俊,在画面上必需把他那种忠实、朴厚之处画出来,因为他是一个正面人物,不同于西门庆。经过多次修改,我才把他的形象画下来。自然在作画的过程中,我也找了一些模特儿帮助解决解剖、姿势、动作等问题。

要进行创作,就要有一定的技巧,画素描和速写都可以提高我们的技巧,不论画单幅画或连环画,都要有很好的素描基础。素就是平素,所以画素描的时间一般都比较长,要求我们详细地把人物的形象记下来。速就是快速,速写就是用最简单的方法在很短的时间内把形象和动作描绘下来。二者的作用不同。我画武松和海娃都是找一个模特儿把他的轮廓细致地勾下来,作为创作时的参考。这就是素描的作用。至于速写,比素描的用途更大、更多,主要是刻划人物的动作。用较长的时间来刻划一个人物形象,自然慢慢地就会画像他。至于速写,虽然比较难些,但只要经常画,也会画好的。画速写要画日常生活中的动作和习惯,包括神情和姿态,因为这都是我们创作时需要的东西。有的同志一定要问:那末,为什么不用照相来代替速写呢?自然,这是不可能的。因为在照相时,被照的感觉到自己是在被人“照”,很紧张,结果,他的形象就成变态了,有些人的相片不像他本人,就是这个缘故。画画最主要的就是要画一个人日常生活中最自然的形象。因此看见了某种很自然的动作,你就要把它画下来。过去的名画家如苏里柯夫、列宾等,一生中都不知道画了多少的素描和速写。我们有时可能画得还不太像,但在练习构图时,还是大有帮助的,比凭空想出来的东西好得多。画得多了,熟能生巧,就会有进步。比方齐白石老人的虾米画得很好,也就是因为他平常画得多的缘故。他曾说过:“要想画得好,就得千担稿。”一千担稿自然是夸张了一点,但也可以说明,他那熟练的几笔,不知道是多少年的积累。画素描和速写就要这样,如果平时不注意,等到要用的时候才去现找,那就相当困难了。如果你时间有富裕,想画详细些,那就可以画素描,把对象画得更像些,至于速写有时却几乎只是一种记号,例如你看见一辆车从身边开过去很快的抓住那个印象,几笔把它画下来,这也是速写中的一种。否则等你回到家里,再想画时,可能就迟了,因为你或许已经把它忘记得干干净净。练习多了,你就会掌握这些技巧的。

关于技巧问题我准备只谈这些,下面还是回到创作“武松打虎”的本题来。

过去我在天津时,天津还没有动物园,马戏团一来,我就买票到后面去画老虎的形态和形象。那时所画的只是老虎的一般动作,至于人跟虎斗,却毫无印象。因此,在制作“武松打虎”时,我就经常到北京动物园去。那里养着两只老虎,每天下午四点钟,喂它们东西吃。这时,两只老虎都跑了过来,有时还一跳一窜,穿过来,穿过去,这中间就有很多可供作画参考的动作。

另外,在水浒传里关于人跟虎斗,也描写很详细,如老虎怎样往上窜,人怎样躲闪,我脑筋里也有一些印象。我把这些形象都搬到画面里,就形成了那些打虎的场面。为了要把老虎的形象画好,我又花了三、五天的工夫画了一些素描和速写。练素描为的是把我所要画的对象各个部分的范围、构造、解剖关系都了解清楚。有了这种基础,然后再去观察,就能比较详细地抓住对象的特点。可是要画活的东西就要靠速写,因为速写主要是抓住生活里面的自然动态。例如看见老虎相斗,便注意它怎么运动,每个部位的情况怎样,眼睛、胳膊、前爪、后爪的动态怎样,这些都得记下来。根据以上这些素材和水浒传里的故事,我就进行了“武松打虎”的创作。

环境是青石和松林,非常阴森,草很长,地方很荒凉。这些主要是靠想象来布置的。背景环境在连环画里也是很重要的,它能够烘托出故事的情节、气氛。在这套连环画里,因为要把环境衬托得荒凉些,所以就画了一些叶子枯黄的树,这样才能显得出是初冬光景。由于自然环境的关系,这时老虎的毛也长得比较长。

在创作时不但要注意活的东西,而且对服装、道具等也应注意。初学时可以临摹,临摹油画和插图都行。美术学院的学生虽然经过长期的学习,有时也要临摹的。临摹人物画可以学习到一些技巧,如怎样用笔、怎样上颜色等;可是却不能养成临摹的习惯,否则将来离开了别人的画你就会创作不出作品来。结果是在别人的作品里东搬一棵树,西搬一个人,勉强凑起来,这是很不好的。要想把这个毛病改掉也很难。当你正式进行创作时,那末,最好是根据活的人去作画稿,因为活人的姿态、动作是取之不尽、用之不竭的。

至于环境和背景,有时就要借助于写生。写生不等于照相,同是一个环境、一幅风景,一天之内的变化是无穷尽的。几个人同画一幅风景,画出来的东西,色调、笔触及其他种种都各不相同。而写生往往就能适合画面的需要。

最初我创作连环画,不是采取勾线的办法,而是用钢笔画。例如“王秀鸾”就是用钢笔画的。后来一个搞木刻的同志提出意见来,说明暗涂得太多,看起来不明快,所以我后来便改用勾线的办法:一般人物用白描,勾线用铁线。中国画衣纹有很多种,如兰叶描、铁线描。一般都用铁线。铁线的线条细而挺拔,用得比较普遍。勾线时,画面上近处的人线条粗些,远处的细一些,人与人之间空下一块,这样,前后就有了距离。像画远山远水,就可用断笔,因为线描如果像柔丝一样,印刷出来就看不见了。

画古代人物全用一样的线条,长袍大袖,铁线描最合适。但画近代人物,棉衣、夹衣、羊毛衣,质感都不同。树与石头的质感也不相同。画棉衣可多用粗线条、圆线条。加皴用中国笔比较方便,如勾筋笔笔锋很长,画衣纹比较方便,如果要画皴,笔一顿,线条就很重,用大斧劈来画,就有了质感。画树也可以用皴。画人物用勾线,棉衣服圆线条多,而且有折纹,如用单线来画,外面可用细线条,折纹可以粗些,这样,就有了明暗。连环画上如果是一大片折纹,就不好看,但如多加几笔,把折纹画粗些,就能表现质感。单衣一般用直线来表示质感。动物的毛用线勾表现不出来,可用用皴。画山水也离不了皴。

古代的人物画法也可以用在连环画上。运用大斧劈可以表现质感,可以表现石头的硬度。中国画画树就有很多皴法。北宗有大斧劈和小斧劈,南宗的皴法就更多了,如披麻皴、解索皴等都是。古代画家的画法也是根据写生的经验。北方的山跟南方的不一样。南方一般是四季长青,气候比较暖,在四川好些地方冬季也是遍地绿色,劳动人民的家里还开着月季,看不出是冬天来。北方却不然,因此画家根据这些自然条件分为南北宗。北方的山水一般都比较雄健,所以产生“大斧劈”,石头光面非常大。南方因为有草,石头上有苔,树多,线条比较圆,所以要用“披麻皴”。还有“解索皴”,可用于画远山。这都是古代画家根据不同的环境想出来的办法,可以作为我们继承的民族遗产。如果我们把近代的写实方法与古代的画法结合起来,这便形成了新的民族形式。古典作品中人物的着色、皴法、衣纹等,技巧相当多,我们都应该知道。一般的说,南北宗无论画树或山水,方法均不相同,完全是根据自然环境的条件。宋朝的郭熙画石头,发明一种方法,叫做卷云皴,把石头都画得像云一样,上下午经常变化不同。古代的画家有时也用鹿角皴来画树,例如画柏树,上面出头,显得很硬。元朝的倪云林画石头用皴树一样的办法,画出来便是一块块的断石。

我所创作的“东郭先生”是一套古装的连环画。东郭先生是战国时赵国的人。要画古代人物,就要去找古代的服装道具。现在已出土的古代道具多得很,如铜器、炉子到处都有,还可以根据故宫和汉墓、秦砖上的石刻来参考。在这本连环画里的服装,大致就是根据这些东西画的。房屋则是根据故宫里的斗拱式的建筑。画面上本来还有桌椅,后来都改掉了,因为当时的人都是席地而坐,到宋代才有桌椅。赵简子打猎本来是坐车,但我想如果骑马,主题人物就更突出些,所以就让他骑马。古代的战车前面有四匹马,人就站在车上。故宫里藏的古砖上还刻得有这种战车,两边有各种兵器,上面还有飘带。总之,创作古装人物涉及的问题很多,但现在我们却有了比较方便的条件,因为现在整理出来的古物很多,可供我们参考。又如敦煌壁画展览会中的各种形象及服装也都是很好的参考材料。有时看古代的雕塑比看壁画更方便,因为从壁画里很难看出衣服是怎么穿的,可是雕塑就不同,前后都可以看得清清楚楚,甚至某些细节如衣甲是如何披上去的都看得很仔细。

总之,连环画主要还是画人物,人物的表情跟生活动态解决后,就要解决道具问题。可以尽量去找参考,还可以根据出土的文物来画。

连环画封面一般用水彩画,勾好墨线后,就平涂上颜色。

关于创作材料的来源与脚本的处理,一般的说,如果注明某画由某人编绘,这就是由作者自编自画。也有人是根据现成的脚本来画。我所画的东西大部分都有现成的脚本,经过领导审查然后动笔画。我们有时候自己编一些小故事,有时候也改编人家现有的作品。例如“武松打虎”就是根据水浒传改编的,删去了一些不必要的东西,留下了精华,然后用通俗一些的文字把它抄下来。这类作品改编起来一般都比较容易。

有些同志提出:画稿弄脏了怎么办?用墨线画连环画,画坏了,要修改,可涂白粉。但涂白粉也有一个毛病:干了,一擦一折,白粉就掉了,可是画坏的墨线依然还在。我的办法是把铅笔刀磨快,慢慢地擦,效果和用橡皮擦的一样,能把整个墨线刮掉,画面又干净,又不伤纸。画面上透视不对、动作不对都可以用这个办法来改正。有些地方如果需要大修改,往往会把一个人的脸全刮掉,那末不妨用纸贴上一块。过去我画中国画,画坏了就把它挖下来,然后用同样大的纸顺着纹路用浆糊贴上,干了就看不出来,像没有画过的一样。

关于连环画的工具问题,因为是勾墨线,有一块砚台和两枝笔就行了。一般都是用是狼毫笔,因为羊毫笔太软,勾线不方便,但狼毫笔却比较适合。衣纹笔也可以,比吴文魁的叶筋笔笔头要长一点,可以用来画花卉和叶子。我画连环画就是用这种笔。起稿时用的铅笔最好是HB的,不软不硬,因为铅笔太硬会伤纸,但HB的却比较容易擦,而且纸也不会毛。起稿时,最好轻些画,以便修改。勾线时不要用墨汁,因为它爱掉、易脏。最好是临时磨墨,比较耐久。
mwy
mwy
管理员
管理员
  • UID2
  • 粉丝10
  • 关注9
  • 发帖数3690
  • 铜币8345枚
  • 威望12677点
  • 银元1235个
  • 社区居民
  • 最爱沙发
  • 忠实会员
  • 原创写手
板凳#
发布于:2014-10-20 23:57
《谈谈我的连环画创作》

——发表于1959年天津市文化事业管理局出版《天津画报》第12期(连环画专辑)。


我创作连环画是在解放后1949年冬天开始的,画“王秀鸾”,这是一个以陕北为背景的故事,困难的是我没有陕北的生活,当时天津美协的马达同志热情的帮助了我,将他在陕北画的许多速写借给我作为创作时的参考。开始我是用钢笔画明暗的方法,草稿全部完成勾了几幅后,拿去给马达同志研究,他说一般群众不喜欢看人脸上画阴影的连环画,而且用钢笔画的方法画连环画,群众也不容易接受。后来我就改用单线勾,效果是比较明快一些,但是人脸上和衣服的线条一样粗,人物也不分远近,于是又琢磨着在这样的基础上再想办法改进:将人脸和衣服的画法分开,用干笔的画法来画树和土坡,单衣服用较硬性的线条勾,棉衣服用比较圆的线条,表现出质感;近处的人物线条比较粗,远处的人物线条较细,人物与景物远近也有距离。至于人物的塑造方面,由于我过去在生活中曾见过类似的人物,如不爱劳动的张老婆的形象。所以在处理张老婆讨饭归来,老汉生气得要把她赶出去的画面时,比较顺手。

继“王秀鸾”之后,就开始创作“鸡毛信”,当时我住在天津近郊,就特意去找到一个牧羊的孩子,与他经常交谈,观察他的动作,并经常和羊群一起,所以画海娃和羊群的画面是比较完整的。至于日本人和伪军等,我也是比较有生活的,在华北沦陷的时候,我目睹过日寇和伪军对我国人民的残暴行为,所以画起来比较方便。

这以后,我又画了“东郭先生”,这故事我是比较喜欢的,东郭先生这个形象,我是从过去的亲族里来选择这样性格的人来塑造的,确实有这种糊涂的道学先生,我如实的刻划了这个人物。关于画中需要出现的狼呢,因为我在解放前很长的一个时期是靠卖画生活的,当时所画的大都是一些动物画,如虎、豹、牛、马、狗、猫等,所以我在画狼时就比较熟悉了。但由于当时在研究历史参考材料方面做得不够,所以在服装、道具和环境的处理上不够理想,后来再版的时候,曾经作过部分修改。

1955年我开始创作彩色连环画,先画“武松打虎”,我尽量根据“水浒”原文所描述的武松来刻划他的形象,武松是一个身躯高大、面貌英俊的英雄,身穿红纳袄,头戴范阳毡笠,我便参考了历代名臣像上的“唐薛仁贵像”来刻划武松。

1956年开始画“闹天宫”,这是用绢画的,我特意从古典美术研究所借来“地狱变相图”照片五十余幅,原作传为唐吴道子画,这些都是白描,据说是他当年画壁画的底稿,都是用铁线描勾成的,是古画当中稀见的精品,他描画的地狱阎罗、天将雷神等,都给予我很大的帮助,有极大的参考价值。在色彩方面,我也是想尽量向民族遗产学习,我参考明朝的“水陆天帝像”的一幅彩印画,过去一般画火都是用朱砂、朱漂和石黄等色彩,这次我为了使它有所变化,在红黄色里用三青加粉画火苗,这样可以更生动一些。此外我画了很多模特,来解决动态、透视、衣折、手式等问题,这八幅绢画共用了一年半的时间才把它完成。

同时我又根据这些素材,创作了连环画“水帘洞”。这里的一些人物服装,我尝试的采用了宋武宗原画的“朝元杖手卷”单线描的方法,这和“地狱变相图”的风格又大不相同了。现正创作第二分册“筋斗云”,还未全部完成。我在创作连环画的过程中,虽然学习到一些东西,但这些作品仍存在着不少的缺点,希望取得各方面的意见,以便今后改进。
mwy
mwy
管理员
管理员
  • UID2
  • 粉丝10
  • 关注9
  • 发帖数3690
  • 铜币8345枚
  • 威望12677点
  • 银元1235个
  • 社区居民
  • 最爱沙发
  • 忠实会员
  • 原创写手
地板#
发布于:2014-10-20 23:58
《略谈创作经验》
——收录于1979年广州文艺编辑部出版《中国画人物线描水墨技法经验随笔》、1981年人民美术出版社《中国画人物技法》。

我多年来的创作,基本上是以写实为基础,其中包括对古代遗产的借鉴。现就以下几个问题,谈谈个人的一些体会:

(一)工笔和意笔中国画一般是不太讲究“光源”的,基本上没有这种概念,大部分都是以线条组成。在我的素描本子上,也大多是勾线的。因为这适合于中国画的笔墨和表现方法。尤其是工笔画,更是以勾线为主要的表现手法(铁线描)。但是,写意画则是以墨为主。所谓笔墨,就是讲用笔和用墨,两者是有机的结合。墨,大抵是指湿墨,即以含水墨较多的墨,用较肥大的毛笔运写在纸上构成画面的主体。但是湿墨只能表现质感,而在结构上还需要用笔来连接。所谓笔也就是指勾线,即用较干的墨笔来勾线。所谓笔墨结合就是这个意思。这种方法也叫“没骨法”。这是经过历代画家不断的实践探索而大大地丰富了的。但由于社会的发展,时代的不同,今天,我们应如何运用和发展这一民族传统技法,为繁荣社会主义文艺事业服务,如何推陈出新,就是摆在我们面前的新课题。

写意画的特点,就在于它的概括性,也就是用较简练的笔墨来表现出比较丰富的内容。这当中有个去粗存真的过程。首先要掌握好形象的结构,然后才可以运用自如。至于笔墨功夫,是需要一定的素养的。既要用笔墨去表现物体结构,但又不要太受“形”的限制,如果太照顾到“形”,笔墨就不能舒畅。这两者经常是矛盾的。如果解决得比较好,就是说能做到既注意笔墨的韵味又能准确地表现物体的结构,画面就会生动,取得“六法”中所说“气韵生动”的效果。宋朝梁楷的两幅画《泼墨仙人》和《李白行吟图》给人印象深刻,是大写意的成功杰作。

另一方面,我认为中国画是有调子的。西洋画所谓“调子”,是指色彩而言,这里所说的“调子”,就不单纯是指色彩而言,而是指整个画面互相关系的协调,是一个整体,不是指画面的每个局部。西洋画所谓“空间感”,是指画面上的物体受光和空气所形成的变化而显示的。而中国画则是用浓、淡、虚、实、疏、密等的关系来表现的。中国画的特点是不太受客观事物的限制的,往往是精神上有所感受,而经过作者主观能动的加工处理后的东西。实际上它是一种个性的表现,是与一个人的思想和习性有关系的。如画面上给人的感觉“稳重”“洒脱”“单薄”“浑厚”等等,这些都是通过画面给人的一种感觉,也是作者精神面貌的自然流露。

写意画下笔前要胸有成竹,要对所描绘的对象有较深刻的理解,先要把它“吃透”,然后用比较概括的方法和简练的笔墨,生动地把它表现出来。有人形容这种画法是画家几十年辛勤劳动的总结。这种说法是有一定根据的。我个人就从写生工笔入手,由简入繁,再由繁而简(这里的简已不是简单的简,而是简练、简洁之意),这样不断的探索,才逐步的进入写意这样一个过程。写意画一般都需要成竹在胸,但有时也有例外。即落笔之后才根据画面构图或笔墨变化的需要,而临时考虑逐步加添勾画而成。这种现象,是时有出现的。

(二)造型和构图造型也是绘画中的重要课题。艺术不是自然的照搬,不能只是通过素描和速写,把客观形象再现出来就行了。如果是这样,那就不需要绘画了。现代的彩色摄影就足以完成这一任务。我们的素描和速写在创作上是很必要的。但这只不过是素材,作者必须通过这些东西在自己的头脑里形成一种概念,然后再加以艺术的夸张,使之比生活更集中,更概括,更美,这才是我们所需要的艺术形象。

在生活里,有时真的东西并不一定都好看,总感到不满足,不是多点什么,就是需要加点什么,或是需要给它变一变样。举个简单的例子,我们到动物园去写生。看见老虎和豹子,有时觉得并不那么好看,看上去像个标本。这就需要用速写和记忆把它记下来。这种方法就是把自然界的美的东西采集下来,不断地积累形象。在创作一幅画的时候,就可以根据这些素材来构图,加以艺术的处理和必要的恰当的夸张。如画豹子,在勾出动态以后,首先是动手整理它身上的斑点,要去掉一些不必要的东西,使人看上去不乱,很统一。有些身体部分在比例上要加长一些,尽管不太符合真豹子的比例,但因为这样看上去才优美。

总之,画家的任务是改造自然,而不是机械地再现自然。这正如蜜蜂采蜜一样,蜜蜂在花芯里采集花蜜,然后加工成蜂蜜。

当然,在日常生活中,我们也可以随时看到很优美的动作和表情的。比如一位妇女在作针线活,那种动作本身就很优美;又如舞蹈和戏剧,也有不少优美的动作,这些动作,大都是来源于生活的,不过经过艺术的夸张处理罢了。说到“夸张”,在我们古老的国度里,可供绘画借鉴的东西是很多的。以武术为例,它的每一个动作姿势,几乎都是很优美的,因为它本身就是夸张的。我们要善于发现生活中那些优美的事物,并用速写、默写把它固定在纸上。

生活是无限广阔和丰富的,确实是文艺创作的唯一的源泉。艺术的本身,就需要大量的和经常不断的从生活源泉中吸取营养,积累素材,然后才能进行创作。

创作却是另外一种要求。首先就是经营位置,这在中国画上占有头等地位。它好比下围棋,先要站好位置,使之进可以攻,退可以守,经常是一个棋子决定胜负。而绘画也是要站好位置的。中国画的所谓位置,就是要处理好一张纸的四个角,要有虚有实。如果先站好一个角,其余三个角就是画面的空间,这样就形成了构图。处理好实的部分,画面上才有空间。如果位置摆得不对,画面上就没有空间,同时也感觉到占不满,东加几笔,西加几笔,越加越觉得不够,这种现象就是经营位置欠功夫。

西洋画(油画)是用色把画面完全涂满,用色彩的层次显示出空间。中国画则是用空白来显示空间,运用笔墨的虚实关系来显示出画面的层次。这是两种截然不同的方法。西洋画旨在务实,而中国画则妙在务虚。记得看过一幅元代画家吴镇的墨竹,这幅画长不过一米左右,连竹竿带叶子不过七八笔,但是已经布满了画面,一笔也加不上去。可见古代画家对经营位置是何等讲究,何等严谨。这些都需要我们很好的继承和用心的研究。所谓匠心独运,往往是指这些方面。总之,凡创作一幅画,应该有计划的去进行,每落一笔都要考虑其效果。中国画最忌废笔和败笔。这同写字一样,平常要下功夫练基本功,要努力克服一些缺点,不怕困难,持之以恒,久而久之才能得心应手,运用自如。

(三)从画《武松打虎》和《闹天宫》谈谈我对工笔人物画的艺术处理《武松打虎》这个题材,很久以前就吸引着我。主要是人与虎搏斗的场面。通过打虎去塑造武松这一为民除害的英雄人物。在画面上,主要突出他的英雄性格。武松身材高大,相貌英俊,二十七、八岁,为人正直勇敢,不畏权贵,有反抗精神,而又很朴实。有一身出色的武功,并有能举起四百多斤的大石,把它抛向空中一丈多高然后接住,轻轻放在地上的惊人气力。这些都是打虎的必要条件。武松打虎的季节,正是深秋天气,草木将黄。在武松来到村店的时候,店家对他的劝告,和山神庙前看到县里的“告示”等,使他对老虎的出现,已有精神上的准备。当他正要在一方大青石上睡下,却突然一阵风起,窜出一只猛虎,不由一惊,接着就展开一场惊心动魄的人虎搏斗。

武松的打扮是头戴白色的范阳毡笠,身穿红衲袄。我对老虎的观察则是在动物园里。记得有一次我去动物园,看到有一只老虎突然腾空跳起,动作迅猛异常,这就给创作人虎搏斗的场面,提供了很好的“模特儿”。

这套年画采用工笔重彩画法,背景衬托多用渐层晕染,人物则用严谨的铁线描。

另一个感兴趣的题材是《闹天宫》。孙悟空那种天不怕地不怕的造反精神,非常引人入胜。他为了争自由,也曾闹龙宫反地府,一直打上玉皇大帝的凌霄宝殿。画这套画的根据,主要是参照明朝人画的水路“粉本”(即现在的所谓“道子墨宝”)。它很可能是准备画寺庙里壁画的小图,这些都是铁线描法,从中可以看到我国古代的传统线描,已能充分的表现云火风雷。最可贵的是那些人物(即鬼神)游动于云雾之中而又处理得非常自然,毫不生硬。尤其是在衣纹的处理上,我国传统的勾法,可以不受客观对象的限制,结合结构处理得非常美观,富有动感。这些都是属于艺术处理的独特手法。如果说古典的西洋画在表现神的故事方面是采用写实的手法,中国传统人物画在表现同一题材的时候,则是采用变形和夸张的手法的。

上面所说的古代优秀传统技法,还只是就有关人物画的一个方面而言。但如果要用这些传统技法为今天的社会主义文化服务,是很不够的。这里就涉及到“古为今用”和“洋为中用”的问题。比如采用古代庙宇画和铁线描,或是传统人物画法中常说的“曹衣出水,吴带当风”,即曹不兴所创的“行云流水描”和吴道子所创的“兰叶描”来描绘以上所举的《武松打虎》和《闹天宫》两个古装人物故事,还基本上适用。但对新的题材,如《穷棒子扭转乾坤》就不行了。必须予以改造和补充。需要结合素描,并到生活中去寻找形象,熟悉形象,积累素材。在创作中以生活为基础,吸收素描的长处,结合传统技法,创造出新的适合表现今天人民生活的线描,这还只是一种尝试和探索。

一九七七年十一月二日
全真道人
中将
中将
  • UID64
  • 粉丝1
  • 关注0
  • 发帖数233
  • 铜币302枚
  • 威望550点
  • 银元31个
  • 社区居民
  • 原创写手
4楼#
发布于:2015-01-19 17:26
很长啊,学习
清水楼台
近卫军将军
近卫军将军
  • UID6
  • 粉丝13
  • 关注0
  • 发帖数2059
  • 铜币1598枚
  • 威望5460点
  • 银元11个
  • 社区居民
5楼#
发布于:2015-01-25 07:57
学习。
mwy
mwy
管理员
管理员
  • UID2
  • 粉丝10
  • 关注9
  • 发帖数3690
  • 铜币8345枚
  • 威望12677点
  • 银元1235个
  • 社区居民
  • 最爱沙发
  • 忠实会员
  • 原创写手
6楼#
发布于:2015-02-06 14:40
好经验!!
游客

返回顶部